100/100: 100 nombres, 100 diseños de etiquetas de cerveza

Hoy vamos a hablar de cerveza y diseño, qué bien, ¿no? A mí son dos cosas que me gustan un montón. Hace no mucho vimos cómo Karl Grandin creaba esos diseños tan chulos para su propia cerveza con ese extraño nombre: Omnipollo. Pues bien, lo que hoy os traigo no es igual, pero tienen en común diseño y cerveza.

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100/100 es el nombre que lleva este proyecto colaborativo tan interesante. El cerebro es SB Studio, una agencia ubicada en Liverpool que se autodefine como creadora de ideas. Pues bien, ellos son los patrones, ahora vamos a conocer de qué va esta historia.

100/100 es un experimento colaborativo 100%. Por un lado está el público y por otro un grupo de 100 artistas, ilustradores, diseñadores y escritores admirados por los miembros de SB. La cerveza ya la tenían. Hay que tener amigos en todas partes y ellos son amigos de los de The Liverpool Craft Beer Co., que les preparó su propio brebaje.

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En diciembre, pidieron al público que les ayudara a nombrar su cerveza. De todos esos nombreseligieron 100. Cada uno de ellos ha ido a parar a un artista/ilustrador/diseñador, amigos y/o admirados por SB Studio, que ha creado una etiqueta única.

En total serán 100 botellas, 100 nombres, 100 colaboradores, 100 identidades únicas. Estas botellas se subastarán y aparecerán en un libro. El dinero recaudado por toda esta acción irá destinado a un Fondo para el Arte. Estupendo, ¿verdad?

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Hay muchos proyectos colaborativos como este, como el que os contaba hace un par de días aquí en el blog (36 days of type). Pienso que los creativos en general se prestan encantados a hacer algo por placer, por amor al arte. Sin más límites que un simple guión. Viene a ser como un juego divertido, unas pequeñas vacaciones creativas que encima, tienen un buen propósito.

Personalmente me resulta muy interesante ver cómo cada uno resuelve su pequeño problemilla planteado por un público anónimo. Y encima, cerveza!!!!

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Viéndolas pienso en pequeñas obras de arte singulares. Es de agradecer que haya gente que dedique su tiempo a cosas como esta. Y ya sabéis, ¡colaborar está de moda!

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La importancia de la organización para el diseñador gráfico

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Ya sé que el 2014 está bien entradito, ya… Sé que es quizás un poco tarde para hacerse una propuesta para este año, pero a mí no me importa y hace unos días me hice una: me voy a organizar. Dicen que lo normal es que los creativos sean caóticos, que es lo propio, pero una cosa es un poco de desorden y otra muy distinta es perder el tiempo. Un ligero desorden no es importante siempre que sepas dónde lo tienes todo. Estoy hablando de cómo empleamos nuestro tiempo. De cómo muchas veces, lo perdemos dedicándonos a cosas sin importancia y dejamos para el final lo de más valor.

Mira esta simple tabla. No es nada del otro mundo, ¿verdad? Pues ya verás cómo es de reveladora. En el campo A tenemos tareas importantes y urgentes, o sea, lo que no puede esperar ya más. En el campo B tenemos tareas importantes, pero no urgentes, una casilla muy cómoda. No pasa nada, tengo tiempo suficiente para hacerlo. En el campo C tenemos lo que no es urgente pero no importante, como por ejemplo contestar un correo.  Y en el D lo que no es ni importante ni urgente ni nada de nada.

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De momento, hemos analizado el tipo de tareas que tenemos entre manos. Ahora vamos con otra cuestión de peso: nuestra energía. Nuestra capacidad de trabajo no es la misma a todas las horas del día. Si hemos dormido y desayunado bien (con mucha azúcar de la buena), el mejor momento es por la mañana, a primera hora. A esa hora seremos los reyes del mambo, los más creativos del mundo si nos dedicamos a idear un proyecto. Pero, ¿qué hacemos normalmente a primera hora? Vemos si tenemos algún correo, a veces muchos, respondemos, miramos las redes, “anda mira quién me sigue”, “me han enviado un DM”, “hui, tengo que contestar a este fan”… y un montón de cositas propias del campo D que no dejamos para más tarde. ¿Qué significa esto? Que derrochamos nuestro mejor momento con tareas que ni son importantes, ni urgentes, ni necesitan de todo nuestro potencial.

Resumiendo, hemos de dedicar tiempo a planificarnos y establecer nuestras prioridades. Tenemos muchas cosas que hacer, de una, pasamos a otra y luego otra… Pero sin planificación es posible que lo más importante, al final del día todavía no esté hecho. Y la verdad es que eso nos hará sentirnos mal con nosotros mismos… no me digáis que no habéis vivido esa sensación de culpabilidad, de “¡vaya!, otro día más que no avanzo”, “mañana sin falta” y un largo etcétera. Lo cierto es que al final hacemos lo que debemos, pero si nos planificamos evitaremos esos malos momentos de estrés y los malos pensamientos que no nos dejan estar en paz.

Yo llevo unos días practicando esta técnica y es buena. Antes de terminar mi jornada (que suele ser tarde), le dedico 5 minutos a pensar qué tengo que hacer mañana y lo apunto en mi agenda. Cuando, por la mañana, llego a mi mesa, miro mi agenda, repaso en mi mente qué es lo importante y lo primerito es ponerse con ello. Es cierto que hay que mirar el correo, ya que las circunstancias pueden cambiar y lo que ayer no era urgente, hoy sí lo es. Pero justo después, ¡al lío!

Marcarte unos objetivos y cumplirlos, te hará sentirte mucho mejor contigo mismo. Así que os dejo, sin más preámbulos, estoy en mi mejor momento y tengo que aprovecharlo.

Fuentes: Psicología para creativos, Gustavo Gili. Imagen: Flaviu Lupoian, Free Images.

36 days of type, un proyecto de diario visual

Supongo que ya os habréis dado cuenta de que a mí la tipografía me mola. Pero no mucho, muchísimo. Por eso adoro los proyectos como el que hoy os presento: 36 Days of Type. ¿Y en qué cosiste? Pues verás, en 36 days invitan a diseñadores, ilustradores y artistas gráficos a que aporten su visión particular de los signos de nuestro alfabeto. Cada día, te proponen una letra o un número para que hagas tu versión.

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Hace tiempo que sigo a Rafa Goicoechéa, que es la cabeza pensante de este proyecto. Él mismo hace este ejercicio a diario y os puedo asegurar que se luce.

Empezó como un ejercicio con total libertad para hacer las cosas que a mí me gustaban. En esa serie se ve mucho de lo que soy como diseñador, colores planos, vectores, figuras geométricas y juegos de perspectiva.

Estos 36 días comenzaron el 1 de abril y durarán hasta tel 6 de mayo. El reto es diseñar una letra o un número por día, el que corresponda según el calendario. 36 Days of Type nos mostrará montones de perspectivas diferentes de un mismo signo, ya que, como sabéis, ¡la creatividad no tiene límites!

Es interesante este proyecto por muchas razones. Para empezar por, como ellos dicen, generan un espacio para la creación entorno a la tipografía y sus infinitas posibilidades. También porque nos invita a todos, aunque no seas tipógrafo, a pararnos a pensar en nuestros signos, sus formas y cómo representarlos. Y otra cosa que me encanta es que el que cada día haga un diseño, hará un diario visual. Es un fantástico ejercicio lúdico para nuestra creatividad.

¿Quieres participar? Puede que si eres diseñador de tipos, ya te hayas enterado. Para todos los demás, tipógrafos o no, os cuento. Se participa a través de Instagram, consultas el calendario para ver qué signo toca, creas tu propuesta y la subes al perfil con el hashtag #36daysoftype para inscribirlo en el proyecto. Súmale el hashtag del día #36days_letra/número para identificarlo.

Y yo pensaba… ¡qué rollo!, no tengo cuenta en Instagram y no me apetece abrírmela… ¡Pues no pasa nada! Mandas tu contribución al correo hello@36daysoftype.com, indicas letra y día y listo.

He hecho una pequeña selección de letras. Verás que me he limitado a coger sólo una letra (la A) y montones de variaciones. Creo que así os hacéis mejor una idea de las posibilidades de este proyecto… A esto lo llamaba un profesor mío “Variaciones sobre un mismo tema”, ¡montones de variaciones!

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¿No te apetece participar después de ver esto? A mí sí.

Si queréis saber un poco más, leed esta entrevista a Rafa Goicoechéa en Yorokobu.

Rukkit Kuanhawate, street art y diseño gráfico en Tailandia

Vamos a hacer un viaje virtual a la otra punta del mundo. Hasta ayer, pensaba en Tailandia y me venía a la mente la jungla, las playas paradisíacas y los turistas a mogollón. Como mucho, me acordaba del tipo ese raro que va buscando bichos por la selva en chanclas, ¿no vivía allí? Pues desde hoy ya no me va a pasar lo mismo. He conocido a un tailandés que nada tiene que ver con esos tópicos. Se trata de Rukkit Kuanhawate… sí, es como para quedarse con el nombre a la primera… Rukkit es un genial ilustrador y diseñador gráfico. Un maestro del street art con un estilazo propio que lo caracteriza. StreetArt-Rukkit-1 Utiliza la técnica stencil para realizar graffitis en las calles de Bangkok. Forma parte del grupo B.O.R.E.D., un puñado de jóvenes diseñadores gráficos tailandeses muy activos. Rukkit va con su maleta de plantillas y te planta un animal en un muro en un momento. Porque lo que pinta son animales, fíjate tú, le gusta la naturaleza. Dice sentirse inspirado por Lego: piezas diferentes que uniéndose unas con otras, van formando un todo. Como sus plantillas stencil, combinándose unas con otras van creando un dibujo. Neon-Rukkit-1StreetArt-Rukkit-2StreetArt-Rukkit-4Camiseta-Rukkit-2 Le gusta juntar colores sin ton ni son, sin seguir ningún tipo de norma que te hayan enseñado. Después, va cubriendo esos colores con patterns inspiradas en la ropa de los años 80 y 90, a veces también en motivos étnicos. La verdad es que, ahora que lo pienso, sus ilustraciones se podrían calificar como muy étnicas. Tan coloridas y con eseos bordes tan marcados… Dibujo-Rukkit-5 Dibujo-Rukkit-8 Dibujo-Rukkit-4Rukkit estudió arte en la Chulalongkorn University (pero, ¡por favor, cómo mola el nombre!!!)… y después empezó a trabajar como diseñador gráfico. A parte de su perfil de graffitero, tiene un perfil diseñador. Le gusta la tipografía y el diseño editorial. También se aplica su diseño a ropa, packaging… Se dedica mucho a algo que a mí me encanta: la decoración gráfica. Ha trabajado para Lacoste, Nike, Smirnoff, QuikSilver y muchos otros. Su obra es extensísima, su perfil en Behance no es nada comparado con todo lo que te encuentras en su blog. Graphic-Rukkit-1 Instalación-Rukkit-4 Instalación-Rukkit-2Dibujo-Rukkit-3 Dibujo-Rukkit-10 Dibujo-Rukkit-1 Personalmente, disfrutaría mucho yéndome con mis colegas graffiteros a buscar un muro por ahí y hacer estas pedazos de animales coloridos, dejando la ciudad mucho más bonita. A ver si nos vamos un día de estos a Tailandia a hacer turismo artístico por las calles de Bangkok… Y bueno, después a darnos un bañito. Seguro que a partir de ahora reconocerás un trabajo suyo allá dónde lo veas. Te dejo un video para que lo veas trabajar en la calle.

 

Errores de impresión que los diseñadores gráficos podemos evitar

Somos humanos y como tales, cometemos errores. Yo cometo unos cuantos a diario, pero me los perdono casi todos. La falta de experiencia nos lleva muchas veces a equivocarnos en algo aparentemente imperdonable, pero de eso nada, todo en esta vida tiene solución menos tú ya sabes qué. Este post está principalmente dirigido a diseñadores gráficos que están empezando o estudiantes. Si estás fuera de este saco, hay dos opciones: que lo leas y así repases un poco (que nunca viene mal); o que lo leas y creas que se me olvida algo inolvidable y así aportes una valiosa información.

1. La sangre. Hablamos del más allá… Si tu imagen llega hasta los límites del documento, llévala más lejos. Más allá de donde la página termina. Esto es porque la maquinaria no es todo lo exacta que nos gustaría y si dejas que la imagen termine justo en el borde pueden quedar unas indeseables líneas blancas y estropear el resultado. Tu deja los 3 mm de sangrado y cúrate en salud. Mas info

Imagen en la que se ve un ejemplo de lo que es la sangre en diseño gráfico.

2. Texto pequeño sobre fondo negro. El negro ya sabemos que es negro por sí solo. Pero hay un negro más negro, un negro rico, que es el que tiene además cian, magenta y amarillo. Si sobre un fondo negro rico colocamos un texto pequeño en blanco es muy probable que una vez impreso se vea borroso.
A mi esto me disgusta. El negro 100% es un poco gris oscuro, prefiero usar un negro rico siempre, así que aquí tenéis un pequeño truquito para poder usar un negro negro de verdad.

3. Imágenes que no se convierten a CMYK. Si no sabes cuál es la diferencia entre RGB y CMYK no debes ser el encargado de mandar nada a imprenta. Hay que asegurarse siempre de que las imágenes están convertidas a este modo de color, las consecuencias pueden ser desastrosas.

4. Errores de ortografía. No seré yo la primera a la que le sangren los ojos al ver barbaridades impresas. La verdad es que esas cosas ocurren. Te pasas días y días delante de un diseño y tienes un error en tus narices y… ¡no lo ves! A veces sólo con verlo en pdf te percatas. O haciendo una impresión casera. Haz todo lo posible por verlo con otros ojos o pídele a alguien que lo revise, ¡no dejes que esto te pase nunca!!! Sobra decir que lo tiene que revisar el cliente, pero por mi experiencia sé que rara vez leen nada. Sólo se quedan en si les gusta o no el diseño. Igual te han mandado mal la dirección y no se dan cuenta hasta que lo ven impreso.
¡Ah!, y no confíes nunca en los correctores ortográficos.

5. El espacio de reserva. En los límites de tu documento diseñado hay un espacio en el que no se debe incluir nada. Ni texto, ni ningún tipo de elemento (a no ser que una imagen vaya a sangre en cuyo caso, vete al punto 1). La frontera debe ser de 5 mm. Este tamaño no es fijo, va en función de lo grande que sea la impresión, cuanto mayor sea, mayor será el espacio.

Imagen que representa graficamente el espacio de reserva en un documento impreso.

6. Convertir los textos en trazado. Si estás realizando tu trabajo en Adobe Illustrator procura convertir todos los textos en contorno antes de guardarlo en pdf. Es verdad que las fuentes se incrustan, pero mira, así te evitas la ínfima posibilidad de que haya un problema, que nunca se sabe. Por supuesto guárdate una copia de seguridad antes de convertirlo.

7. Nuestra amiga la resolución. Utilizar una resolución demasiado baja puede dar lugar a un pésimo resultado. Lo establecido son 300 ppp. ¿Sobra decir que no vale coger una imagen a 72 ppp y aumentar su resolución? Yo sólo lo digo por si acaso. No hay nada peor que esas imágenes borrosas remuestreadas.

Una imagen dublicada. La primera a resolución adecuada, la segunda a muy baja resolución.

8. Utiliza vectores siempre que puedas. El texto se verá más nítido. Si quieres más información sobre la diferencia entre pixeles y vectores, mira aquí.

9. Convierte las imágenes en blanco y negro a escala de grises. Si no lo haces, se añadirán tintas cian, magenta y amarillo y el resultado puede no ser el deseado.

10. ¿Formatos de archivo gif y png para impresión? No, nunca, son formatos pensados para trabajar a 72 ppp y no para los 300 ppp que necesita el papel. Más info

Y algunos consejos rápidos para evitar errores tontos:

  • Bloquea las capas a medida que vayas dejando los elementos en su sitio.
  • Combina todas las capas en Illustrator antes de convertir en pdf, reducirá muchísimo el tamaño del archivo.
  • Incrusta las fuentes al convertir en pdf desde Indesign.
  • Haz una prueba de impresión para trabajos importantes…

Estos consejos están basados en mi experiencia, vivida por mí o de cerca. Puede haber muchas cosas que no sepa, así que consulta siempre con la imprenta antes de enviar el trabajo.
¡Ah! Y un detalle importante… ¡haz un buen diseño! Procura que personas de confianza te haga una crítica constructiva y así te asegurarás.

Fuente: Andrew Kelsal

Tipografías experimentales, diferentes y creativas

En el mundo de los diseñadores gráficos, el tipógrafo es el rey. Esta es una opinión personal, puede que no estéis de acuerdo conmigo… Pero sí lo estarás en que en el mundo del diseñador gráfico, la tipografía es lo más!!! Es el pixel, el átomo, la materia básica, la maravillosa tipografía.

Como sabréis, yo de reina del diseño gráfico no tengo nada, o lo que es lo mismo decir: no soy tipógrafa… lástima! Pero sí tengo el placer de disfrutar mucho con ella y de ella. Es cierto que es un campo serio. Que ser un buen tipógrafo requiere muchas horas de delicado y minucioso trabajo. Que ese trabajo está poco valorado y que sus resultados no son tan atractivos como una colorida ilustración. Yo desde aquí, me inclino y digo, ¡ole!, a todos aquellos que a pesar de todo, se dedican a este honorable oficio: ¡gracias!

Tras este momento homenaje que me he marcado, voy a ir al tema que hoy ocupa este blog: las tipografías experimentales. Los tipógrafos, digo yo que a veces se aburren y tienen ganas de hacer algo distinto, puede con sus manitas o puede que de forma digital. Pues vamos a plasmar aquí esos momentos ¡oh, yeah!! de estos maestros. Tipografías hechas de cualquier tipo de material, divertidas, desenfadadas o puede que serias. Pero siempre diferentes y… sí, quizás poco útiles, pero, ¿qué más da? ¡Son tan resultonas para una ocasión singular!

Hablando de reyes y maestros, aquí tenemos a Txaber, es de Bilbao y a experimentación tipográfica digital no hay quien le gane. Txaber ha convertido sus momentos ¡oh, yeah! en el centro de su trabajo. Desde luego se merece un pedazo de post para él solo, un día de estos…

Paper1 TaipeiIceLondonRock

Este es el trabajo de Happycentro, un estudio italiano. En este caso huímos del formato digital, tengo que decir que a mi me atráe más y es porque están hechas con las manos.

Vita1Poverta Typografly1Corrado3 Corrado

Dominique Falla, una maestra en esto de hacer tipos con cosas cotidianas.

Ideas1 Ideas2

Rel Pasta

Otro que ha convertido esto de la experimentación en un método es Rusian Khasanov, un trabajo fabuloso.

Blow1 Lumen-1

MIcro Pintura

Y para terminar os dejo unos proyectos de distintos diseñadores (o artistas de la tipografía experimental), que he encontrado en Behance y en Domestika. Si queréis saber el nombre de alguno en particular, no dudéis en preguntar.

Clothing Eye candy Galleta Kerozen My garden Network oh joy

Agradezco a @iWonderwall servirme de inspiración para escribir este post después de leer el que él escribió la semana pasada en su blog: El alfabeto hecho arte.

 

Cómo afrontar y emitir críticas (o el feedback en diseño gráfico, II)

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De nuevo tenemos aquí a esa señorona de la que os hablé la semana pasada: la crítica. Supongo que ya todos hemos empezado a mirarla con buenos ojos, ¿verdad? Bueno, al menos a la que se apellida constructiva. Criticar es bueno, ya lo dije el otro día, pero si se hace sin tacto no servirá de nada.

Si eres tú el criticado también debes estar dispuesto a recibir las opiniones ajenas de forma positiva. Si estás con la escopeta cargada esperando que alguien diga “mu” para justificarte, mal vamos. El que te hace feedback está prestándote atención, está dedicando su tiempo a mirar nuestro trabajo y eso es muy de agradecer.

A la crítica en diseño gráfico hemos de verla como una oportunidad. Cuatro ojos ven más que dos y si son seis ojos, ¡mejor! No podemos perder la ocasión de tener más información sobre nuestro trabajo y averiguar así qué áreas requieren cambios o perfeccionamiento.

Veamos ahora algunos consejos para recibir críticas:

  • Pregunta siempre. Tras escuchar con atención, ante cualquier ambigüedad, pregunta. Conoce los motivos que generan la crítica, llega hasta el fondo, conoce cómo ha llegado a esa conclusión. Toma notas para leerlas con más detenimiento más tarde.
  • Objetividad al poder. No te justifiques ni te defiendas. Ve directo al grano, no te dejes llevar por tus emociones y encuentra objetivamente lo que se critica. ¿Qué te aporta?
  • No es personal. Si alguien critica a tu persona y no tu trabajo, descártalo inmediatamente. Igualmente, si alguien te critica aportando valor, no debes tomártelo como algo personal.
  • Elige las críticas. Debes ser selectivo con las críticas. Ten en cuenta las posibilidades, los pros y los contras para que tu trabajo avance.
  • Poco a poco. Usa las críticas en tu favor y en un tiempo adecuado. Una vez hechos los cambios, puedes de nuevo someterlo a crítica.
  • Da las gracias. Agradecer las críticas te engrandece y da valor a tu proyecto. Se te verá modesto y humano y eso le gusta a cualquiera. A partir de ese momento se interesarán mucho más por tu trabajo. Sobre todo, por cómo evoluciona el proyecto en el que te han hecho feedback.

¿Y si criticamos nosotros? Más consejos:

  • Empieza por lo positivo.
  • Sé concreto, no generalices con tus críticas: preciso y objetivo.
  • Si tienes un mal día, dilo, porque tus críticas pueden ser mucho más ásperas.
  • Puede ser que sientas envidia de ese excelente trabajo, no te dejes llevar por ella.
  • Critica el proyecto, no la persona, nada de valoraciones morales.

Y ahora ya para que le des un beso en los morros a esta señorona que nos cae tan simpática, analicemos, ¿qué pasa si nos critican?

  1. Vamos a hacer las cosas de otra manera.
  2. Pensaremos más y mejor en soluciones para nuestro proyecto.
  3. No perderemos dinero ni tiempo tirando por un camino que no tiene salida.
  4. Nos daremos cuenta antes de nuestros errores y estaremos preparados para mejorar.

y… ¿qué pasa si nos halagan?

  1. Todo seguirá igual.
  2. No sabremos qué errores hemos cometido.
  3. Nuestra vanidad crecerá.

Ahora ya debes estar ya totalmente convencido de que si nos critican tenemos mucho que ganar. Así que, ya sabes, no dudes en pedir opiniones sobre tu trabajo a todo aquel que te merezca respeto y cuya opinión te importe.

Fuentes: Psicología para creativos, Gustavo Gili y Guernik. Imagen: Héctor Landaeta, xchng.